Menu
Le notizie dall’Italia.
Caravaggio: La danza di luce e oscurità!
Luci della città: Michelangelo Merisi, Caravaggio
di Andira Vitale
Il primo grande artista del movimento artistico barocco… L’inventore dell’affascinante danza di luce e oscurità… Il padre dell’arte della luce e dell’ombra utilizzata da Rembrandt e altri pittori… Il primo pittore barocco a utilizzare l’intenso contrasto di luce e ombra, noto anche come Tenebrismo e Caravaggioismo… Lui è Michelangelo Merisi, detto Caravaggio, uno dei più grandi artisti che l’Italia abbia mai prodotto…
Tra successi e capolavori, ma anche omicidi e ossessioni, un viaggio alla scoperta del pittore che ha aperto le porte al barocco.
O una personalità che conferma le parole di James Baldwin: “Gli artisti sono qui per disturbare la pace!”… Extraterrestre… Terrificante… Una comprensione ossessiva dell’arte… In altre parole, era qualcuno che diceva: “Sono inquieto, sono l’oscurità, vago ai margini della follia, anche tu dovresti essere inquieto, dovresti rabbrividire”…
John Berger, che ha toccato il mondo con compassione ed è riuscito a rimanere umano, dice quanto segue alla donna che ama nella sezione del suo libro “Ritratti” dedicata a Caravaggio:
Una notte, a letto, mi hai chiesto chi fosse il mio pittore preferito. Non sapevo cosa dire per dare la risposta più incisiva e precisa. Ho detto ‘Caravaggio’. La mia risposta mi ha sorpreso. C’erano pittori più nobili, con orizzonti più ampi, pittori che ammiravo e che si facevano ascoltare di più. Ma ne consegue che – anche il fatto che la risposta sia stata data senza preparazione ha contribuito a questo risultato – il pittore a cui mi sento più vicino è Caravaggio.
Se consideriamo che Berger è vicino a coloro che rifiutano la gerarchia, che si oppongono all’ingiustizia del mondo, a ogni tipo di potere, ai vinti, agli oppressi, ai resistenti, ai ribelli, possiamo comprendere la sua vicinanza a Caravaggio…
Se l’arte non è solo creazione estetica, ma anche un mezzo per esprimere resistenza, allora questa filosofia definisce Caravaggio. Perché il suo coraggio non ha eguali nella storia dell’arte. È un rivoluzionario ribelle che ha distrutto tutti i tabù religiosi, le strutture tradizionali e la comprensione classica dell’arte del periodo. Voltò le spalle alle istruzioni del Vaticano, si fece accettare e i suoi dipinti furono appesi nelle chiese. In quel periodo in cui l’Inquisizione era al potere e il Papa gli tagliava il biglietto per il paradiso, riuscì a sopravvivere con dipinti che umanizzavano gli dei. Sporcò le unghie dei santi e raffigurò Maria come una prostituta. Quando gli fu chiesto di aggiungere figure di angeli allo spazio vuoto sopra Santa Lucia, fu così schietto da dire “se ci sono angeli, mostrateli!”
Per gli standard dell’epoca, Caravaggio lavorava molto velocemente. Tanto che si dice che “alcune parti della tela rimanessero talvolta bianche”. Nessuno degli schizzi di Caravaggio è sopravvissuto fino a oggi. Questo dimostra che Caravaggio lavorava senza schizzi.
Chi è Caravaggio, la cui vita trascorse tra battaglie e opere magnifiche?
Caravaggio è uno dei pionieri del periodo barocco, un movimento di ribellione contro la bellezza ideale del Rinascimento, le teorie basate sul triangolo, la finzione, la prospettiva, la luce e l’ombra, la percezione tridimensionale e tutti i maestri del Rinascimento.
Per comprendere Caravaggio, è necessario dare uno sguardo all’Europa del XVI secolo. Era passato un secolo dal Rinascimento, quando le regole fondamentali dell’arte, ancora oggi accettate, furono stabilite sotto la guida di maestri come Leonardo da Vinci e Michelangelo. La gente viveva in miseria. Le leggi venivano usate dagli sceriffi per esercitare la tirannia, e ecclesiastici spietati corrompevano il popolo sotto il dominio della Chiesa. A quel tempo non esisteva alcuna distinzione tra arte e artigianato. Non esistevano gallerie, sale espositive o luoghi simili. Le chiese erano pressoché le uniche acquirenti di opere d’arte. I dipinti venivano ordinati tramite contratti rigidi e ogni dettaglio, dal soggetto alle figure e ai colori da utilizzare, veniva comunicato direttamente all’artista. Erano tempi difficili per gli artisti, esclusi dalla Chiesa. Caravaggio sarebbe stato il primo artista ad osare una cosa del genere…
Conversione della Maddalena, 1598
Caravaggio, pseudonimo di Michelangelo Merisi, nasce il 29 settembre 1571 a Milano, dove i genitori Fermo Merisi e Lucia Aratori si erano trasferiti da Caravaggio, un piccolo feudo nella bergamasca che consegnò il celebre pseudonimo al pittore. Nel 1577 la famiglia Merisi fugge da Milano per proteggersi dalla terribile peste di San Carlo e fa rientro nel luogo natio ospite dei parenti. La malattia colpisce tuttavia il padre, il quale muore poco dopo assieme al nonno e a uno zio del futuro pittore. Nel 1584, il giovane Michelangelo torna a Milano e comincia un apprendistato da Simone Peterzano che dura per quattro anni. Tra il 1592 e il 1594, invece, lascia il capoluogo meneghino per recarsi a Roma. Degli anni precedenti alla partenza si conosce con certezza ben poco. In questo periodo il pittore potrebbe infatti aver soggiornato in Veneto col maestro e studiato da vicino l’arte di Tiziano, Giorgione e Tintoretto; oppure potrebbe aver avuto incontri ravvicinati con maestri lombardi come Bergognone Foppa, Moretto, Savoldo e Romanino. Di certo si sa che il 29 novembre 1951 scompare la madre Lucia e, spartita l’eredità, l’artista lascia Milano.
A Roma, copiò le opere di molti pittori e si perfezionò. Tuttavia, Caravaggio interpretò queste opere a modo suo e le trasformò in dipinti diversi. Secondo Caravaggio, l’arte rinascimentale era priva di emozioni e la sua imitazione ordinaria era lontana dalla vita reale. All’inizio, Caravaggio non ebbe un grande impatto sul mondo della pittura. La città di Roma era fertile in termini di pittori, ma la concorrenza era serrata. Stiamo parlando di un periodo in cui la città era piena di sopravvissuti alla peste e di fuggitivi dalla guerra. Ma Caravaggio amava vivere in queste condizioni miserabili, affollate e abbandonate. Osservava i truffatori, i mendicanti, le prostitute e i ladri professionisti che si radunavano per le strade, i vicoli e le aree pubbliche della città e stringeva amicizia con loro.
“Michelangelo da Caravaggio che fa a Roma cose meravigliose è uno che non tiene in gran conto le opere di alcun maestro, egli dice che tutte le cose non sono altro che bagatelle, fanciullaggini o baggianate – chiunque le abbia dipinte – se esse non sono fatte dal vero, e che nulla vi può essere di più buono o di meglio che seguire la natura e questa copiar dipingendo.” (Karel van Mander)
Bacchino Malato, 1593 Ragazzo morso da una lucertola, 1593-1594,
Il primo autoritratto di Caravaggio, allora ventiduenne, Bacchino Malato (1593) si discosta dalle convenzioni dell’epoca in modo audace. Questo dipinto, in cui Bacco, il dio pagano della baldoria, dell’ubriachezza e dei rapporti sessuali, è raffigurato come una vittima, esasperata e persino abusata, è inquietante e inquietante. I pampini e l’uva, che promettono ubriachezza e piacere, danno l’impressione di essere offerti a un cliente. L’himation bianco ricorda un lenzuolo. Il sorriso, tuttavia, appare finto. C’è chi sostiene che in realtà si tratti di una prostituta infelice.
Ragazzo morso da una lucertola, dipinto presumibilmente nello stesso periodo, raffigura un altro personaggio comune che reagisce con un improvviso shock, privo di qualsiasi rango o status. Il dipinto è parzialmente nudo e con una rosa dietro l’orecchio, a suggerire un giovane che ha subito abusi sessuali. La rosa simboleggia l’amore romantico, mentre l’aggiunta del gelsomino è un simbolo tradizionale del desiderio. Il giovane viene morso da una lucertola mentre cerca di raccogliere le ciliegie (le vere lucertole non hanno denti). Entrambi questi dipinti vanno interpretati nel contesto del pubblico a cui si rivolgeva Caravaggio: il clero.
La Buona ventura, 1594 I Bardi, 1594
Caravaggio fu uno dei primi artisti a sviluppare la pittura di genere, raffigurando la vita della gente comune. I primi archetipi sono La Buona ventura (1594) e I Bardi (1594), che gettano luce sugli ordini delle classi inferiori, costituiscono un importante modello per Caravaggio e accrescono il realismo della sua arte.
L’originalità di questi due dipinti, che mettono in luce la classe dei burloni, che in precedenza non era stata considerata un soggetto estetico importante sulla tela, fu un fenomeno sorprendente nell’Europa di fine XVI secolo.
Caravaggio rende complice del crimine chiunque guardi quest’opera. Un giovane nobile innocente sta per essere truffato da giocatori d’azzardo fraudolenti. Mentre i costumi gialli e neri simboleggiano le vespe che si avvicinano all’uomo, la scacchiera sul bordo del tavolo simboleggia che il giovane ha già perso il suo denaro. Il dipinto è così suggestivo che è difficile capire che il baro e la vittima siano lo stesso modello. In quest’opera, Caravaggio ha creato due personaggi diversi raffigurando lo stesso modello sia di fronte che di spalle. Il terzo personaggio guarda le carte della sua vittima innocente e fa un cenno al suo complice. Il baro, di spalle, sporge leggermente la spalla in avanti e tenta di afferrare la carta falsa che ha nascosto segretamente. Il sorprendente realismo di quest’opera colpì a tal punto il cardinale Maria Del Monte da collocare l’opera del giovane artista in un posto d’onore nella sua casa. Caravaggio è riuscito a entrare direttamente nel cuore della chiesa.
Giuditta e Oloferne, 1598-1599 o 1602
Un altro celebre esempio del realismo di Caravaggio e del suo legame con la gente comune è Giuditta che decapita Oloferne. Caravaggio si affidò a Fillide Melandroni, una nota prostituta che sarebbe stata facilmente riconoscibile a Roma, come modella per quest’opera. Questo omicidio, compiuto per motivi religiosi, è al centro del dipinto. I pittori rinascimentali si concentravano più sulla natura che sulla sofferenza umana. La tortura e la violenza che esistevano nella vita quotidiana durante la Controriforma ebbero un impatto significativo sull’arte. Caravaggio dipinse il momento in cui Oloferne viene decapitato, con la testa della vittima separata a metà dal corpo, gli occhi spalancati dalla paura e la bocca che urla.
Le teste mozzate inchiodate al Ponte Sant’Angelo sul Tevere erano una visione familiare a Roma. Giuditta è raffigurata con indosso i migliori abiti che una donna potesse indossare. Caravaggio si discosta anche dalla tradizione religiosa raffigurando la serva accanto alla padrona. Questa è una rappresentazione molto realistica della donna lavoratrice. La lavoratrice in questione si ispira direttamente alla vita mostrando le mani e le rughe sul viso. Persino il suo perizoma è visto come pronto a raccogliere la testa mozzata e a gettarla via. I contemporanei di Caravaggio consideravano un simile ritratto “troppo naturale”. D’altra parte, la serva è più in evidenza in contrasto con la bellezza idealizzata di Giuditta e persino di Oloferne. La serva fu scelta come terzo punto focale da non perdere e fu raffigurata in questo modo. In questo ritratto, Caravaggio fece uso del contrasto luce/ombra che sarebbe poi diventato un tratto caratteristico delle sue opere: fu enfatizzato con la luce artificiale.
San Matteo e l’angelo, 1602 La resurrezione di Lazzaro, 1609
I primi dipinti discutibili:
La chiesa commissionò a questo giovane talento un’opera per metterlo alla prova: avrebbe dipinto San Matteo. La concezione artistica dell’epoca tendeva a umanizzare personaggi religiosi e mitologici. Avrebbe dipinto Matteo come un essere divino, e chi avesse osservato l’opera ne avrebbe compreso il potere e la soprannaturalità. Tuttavia, Caravaggio non voleva questo. Era un artista che cercava Dio sulla terra, non in cielo. Caravaggio non aveva mai visto un angelo in vita sua. Per questo motivo, incluse elementi che includevano entrambi i sessi nei suoi dipinti. Se una donna guardava il dipinto, vedeva un angelo maschile, e se un uomo guardava il dipinto, vedeva un angelo femminile. Matteo sembra più un anziano desideroso di imparare che un santo. L’angelo che gli insegna a leggere è un po’ civettuolo.
Le arti visive sono molto importanti nel cristianesimo. Queste opere saranno appese nelle chiese e sugli altari e la gente pregherà davanti al dipinto. Pertanto, ci si aspetta che vengano dipinte di conseguenza. Dopo che la chiesa si sarà ripresa dallo shock iniziale, ordinerà all’artista di dipingere di nuovo lo stesso soggetto. Matteo dovrebbe essere dipinto in modo più sublime e l’angelo dovrebbe essere meno civettuolo!
Caravaggio dipinge con riluttanza un nuovo dipinto. In questa seconda versione del dipinto, questa volta Matteo sembra insegnare qualcosa all’angelo. Tuttavia, l’uso netto di luci e ombre, lo stile pittorico più realistico e il modo molto diverso in cui affronta i soggetti indicavano che le chiese stavano lentamente iniziando a percepire segnali d’allarme. Caravaggio stava diventando un pericolo per la chiesa.
Quando dipinse la morte della Vergine Maria, la Resurrezione di Lazzaro, prese dalla sua tomba il corpo di una donna annegata nel fiume e lo usò come modello. Inoltre, prese un pugnale e uccise di nuovo il corpo in nome del realismo. In alcuni dei suoi dipinti, usò prostitute come modelle e le trasformò nella Vergine Maria. A differenza del Rinascimento, Caravaggio non deificò l’uomo, umanizzò Dio. Forse era per questo che la Chiesa non ordinava più da lui, ma da artisti copisti. Caravaggio criticava e insultava i suoi copisti dilettanti. Alla fine, qualcuno lo portò in tribunale e fu dichiarato colpevole…
Davide con la testa di Golia – 1610
Il primo omicidio.
Dopo aver trascorso mesi in una prigione a celle chiuse, il suo crimine fu commutato in arresti domiciliari. Gli fu proibito di uscire di casa, ma questo non lo fermò: fu ricacciato in carcere, questa volta aggredendo gli agenti che lo avevano avvertito. Caravaggio stava ora delineando un profilo pericoloso e aggressivo.
Le donne di Caravaggio, gli omicidi e le fughe…
Leda, una delle prostitute più amate di Roma, era anche la prediletta di Caravaggio. La usò come modella nella maggior parte dei suoi dipinti e nutriva un amore segreto per lei. Tuttavia, c’era qualcun altro innamorato di lei: Mariano. Questo fu motivo sufficiente per Caravaggio.
Lo sfidò a duello. Mariano rifiutò. Pochi giorni dopo, Mariano fu aggredito per strada a mezzanotte, subì gravi ferite alla schiena e perse la vita. (6 maggio 1606) L’assassino scomparve, nessuno ebbe dubbi sulla sua identità… Non molto tempo dopo, sfidò un uomo di nome Ranuccio Tomassoni, sempre a causa di una donna. E uccise Tomassoni in duello. Roma mise una taglia sulla sua testa. Giuditta è raffigurata con indosso i migliori abiti che una donna potesse indossare. Caravaggio si discosta anche dalla tradizione religiosa raffigurando la serva accanto alla padrona. Questa è una rappresentazione molto realistica della donna lavoratrice. La lavoratrice in questione si ispira direttamente alla vita mostrando le mani e le rughe sul viso. Persino il suo perizoma è visto come pronto a raccogliere la testa mozzata e a gettarla via. I contemporanei di Caravaggio consideravano un simile ritratto “troppo naturale”. D’altra parte, la serva è più in evidenza in contrasto con la bellezza idealizzata di Giuditta e persino di Oloferne. La serva fu scelta come terzo punto focale da non perdere e fu raffigurata in questo modo. In questo ritratto, Caravaggio fece uso del contrasto luce/ombra che sarebbe poi diventato un tratto caratteristico delle sue opere: fu enfatizzato con la luce artificiale.
Roma annunciò di averlo perdonato. Ora poteva tornare a casa e iniziare una nuova vita… Caravaggio, che aveva usato la via del mare per raggiungere Roma, salì a bordo della nave che avrebbe portato lui e le sue opere. Era giunto alla fine dei suoi giorni difficili, ora era purificato. L’esilio pieno di rimpianti e dolore era finito. Doveva sbarcare nei pressi di Palo Laziale e far verificare la validità dei documenti in suo possesso. Tuttavia, o gli ufficiali lì presenti non avevano ancora ricevuto la notizia della sua grazia, o lo avevano scambiato per un altro criminale, quindi lo rimisero in prigione. Quando la situazione fu chiara, Caravaggio corse al molo, la sua mente era rivolta ai dipinti da giorni. Tuttavia, era troppo tardi…
La nave era già salpata con le sue opere senza aspettarlo. Forse la nave era diretta a Porto Ercole, che si trovava a 200 km di distanza da dove si trovava, il porto più vicino. Caravaggio si mise in viaggio e contrasse la malaria in una zona paludosa. Iniziò ad avere convulsioni a causa del caldo di luglio. Si pensa che Caravaggio sia stato portato in un ospedale vicino e sia morto lì. Secondo un’altra voce, avrebbe avuto un litigio con un soldato prima di raggiungere la sua nave a Porto Ercole e sarebbe stato ucciso lì. Alcuni esperti ritengono che sia stato ucciso in seguito all’agguato tesogli dai suoi parenti per l’omicidio da lui commesso.
Caravaggio aveva la febbre alta al momento della morte, e le cause della sua morte furono oggetto di dibattito all’epoca. Gli storici hanno a lungo creduto che fosse morto di sifilide. Alcuni hanno ipotizzato la malaria causata da latticini non pastorizzati, o forse la brucellosi. Altri ancora credevano che la famiglia Tommasoni o i Cavalieri lo avessero fatto uccidere per vendetta. Alcuni studiosi hanno ipotizzato che Caravaggio sia stato aggredito e ucciso dagli stessi “nemici” che lo avevano inseguito fin dalla sua fuga da Malta, forse Wignacourt e/o la fazione dei Cavalieri. I resti di Caravaggio sono stati esaminati dai ricercatori per un anno nel 2010. I primi esami hanno suggerito che Caravaggio potesse essere morto per avvelenamento da piombo. All’epoca, le vernici contenevano alti livelli di sali di piombo. Tuttavia, un’indagine del 2012 ha concluso che Caravaggio morì a causa di una ferita riportata in una rissa a Napoli, in particolare una sepsi causata da Staphylococcus aureus. Documenti vaticani pubblicati nel 2002 riferiscono che la modella Fillide Melandroni, membro della ricca famiglia Tommasoni, inviò un sicario a uccidere Caravaggio per amore.
Caravaggio aveva la febbre alta al momento della morte, e le cause della sua morte furono oggetto di dibattito all’epoca. Gli storici hanno a lungo creduto che fosse morto di sifilide. Alcuni hanno ipotizzato la malaria causata da latticini non pastorizzati, o forse la brucellosi. Altri ancora credevano che la famiglia Tommasoni o i Cavalieri lo avessero fatto uccidere per vendetta. Alcuni studiosi hanno ipotizzato che Caravaggio sia stato aggredito e ucciso dagli stessi “nemici” che lo avevano inseguito fin dalla sua fuga da Malta, forse Wignacourt e/o la fazione dei Cavalieri. I resti di Caravaggio sono stati esaminati dai ricercatori per un anno nel 2010. I primi esami hanno suggerito che Caravaggio potesse essere morto per avvelenamento da piombo. All’epoca, le vernici contenevano alti livelli di sali di piombo. Tuttavia, un’indagine del 2012 ha concluso che Caravaggio morì a causa di una ferita riportata in una rissa a Napoli, in particolare una sepsi causata da Staphylococcus aureus. Documenti vaticani pubblicati nel 2002 riferiscono che la modella Fillide Melandroni, membro della ricca famiglia Tommasoni, inviò un sicario a uccidere Caravaggio per amore.
Come sia morto è ancora un mistero. Ma conosciamo la data della sua morte. Fu registrata il 18 luglio 1610. Aveva solo 38 anni… Non sappiamo se scelse una vita così dolorosa per sua scelta, o se questo affilato coltello tra ricchi e poveri lo infiammò. Tuttavia, la sua arte continua a scuotere il mondo ancora oggi. È difficile trovare qualcuno al mondo che si occupi d’arte e non ammiri Caravaggio. Il termine “barocco” era usato nel linguaggio orafo per descrivere pietre e perle irregolari e dalle forme bizzarre. Nacque in Italia e si diffuse in seguito in Europa e persino in America Latina. Gli artisti che adottarono il movimento della Controriforma cercarono di creare entusiasmo ed entusiasmo religioso nelle loro opere. Si rivolsero anche ad ambiti diversi da quello religioso.
“Perché Caravaggio è così grande? Perché si stenta a credere che le sue idee siano state concepite quattro secoli fa. Tutto, nei suoi dipinti, dalla luce al taglio della composizione, fa pensare a un’arte che riconosciamo, a un calco di sensibilità ed esperienze che non sono quelle del Seicento ma quelle di ogni secolo in cui sia stato presente e centrale l’uomo; la si può chiamare pittura della realtà, e a questo deve la sua incessante attualità. Davanti a un quadro di Caravaggio è come se fossimo aggrediti dalla realtà, è come se la realtà ci venisse incontro e lui la riproducesse in maniera totalmente mimetica.” (Vittorio Sgarbi)